Antonella Colaninno

2012-01-26T11:02:00.000-08:00

STORIE DI INSOSPETTABILI GIARDINIERI

di DELFINA RATTAZZI

Ganna Walska

Lotusland a Montecito in California di Ganna Walska

“Chi getta semi al vento farà fiorire il cielo.”

“Le piante attraggono i riflessivi, i solitari, i pensatori ma anche gli uomini d’azione. Attraggono menti dalla fertile immaginazione. I giardini nascono da una visione, da una volontà, forse da una vanità.” (Delfina Rattazzi)

Piante viaggianti e “giardini venuti dal vento”, giardini perfetti ed ibridi di piante rare e vegetazione selvaggia. Giardinieri insospettabili per vocazione, per scelta o per necessità, ma tutti accomunati dal desiderio di ritrovarsi tra l’asprezza della terra e la morbidezza dei petali e delle foglie, riscoprendo l’amore per il collezionismo. Coreografie naturali su cui interviene il gusto e la personalità di chi le cura, adattando le piante al clima del luogo, ma spesso sfidandolo con innesti e delicate efflorescenze. Attraverso la storia dei giardini, Delfina Rattazzi coglie alcune sfumature delle biografie dei suoi personaggi, storie di vita affascinanti e spesso segnate da vicende dolorose. Un libro che nasce dalla scelta di raccontare la passione per le piante di alcuni insospettabili giardinieri scoperti tra le pagine dei libri e tra i racconti degli amici “(…) che mi hanno regalato storie per la strada o al tavolino di un bar”, spiega l’autrice, che non manca di ricordare nel suo libro quel “giardino pubblico con dolore privato” tra via Nirone e via Sant’Agnese a Milano vicino alla basilica di Sant’Ambrogio. Un giardino che i genitori hanno dedicato al figlio Francesco Castellini che qui trascorreva “(…) molte ore serene con i suoi amici” e purtroppo deceduto a diciassette anni il 24 agosto 1996 in un incidente stradale. Si tratta dell’unico giardino pubblico in Italia affidato alle cure di un privato, dove si coltivano rose bianche e camelie, ortensie rare e “grappoli profumati di un possente glicine.” Un grande amore per la vita traspare nelle pagine dedicate a Georgia O’ Keeffe, la più grande pittrice americana immortalata negli scatti di Alfred Stieglitz. Un amore per le piante che si svela nei fiori giganti dipinti dalla pittrice dal chiaro simbolismo erotico. Quello della O’Keeffe è un orto-giardino in cui si trovano fiori, erbe aromatiche, verdura e frutteti. “Ho raccolto fiori dove li ho trovati, afferma la O’Keeffe, ho raccolto conchiglie e rocce e pezzi di legno dove c’erano conchiglie e rocce e pezzi di legno che mi piacevano… Quando ho trovato bellissime ossa bianche nel deserto le ho raccolte e le ho portate a casa… Ho usato queste cose per dire la vastità del mondo in cui vivo, il senso di meraviglia che suscita in me.” Il giardino di Kerdalo di Peter Wolkonsky in Bretagna è considerato tra i più affascinanti del mondo, con i suoi “camminamenti stretti e le specie vegetali piantate fitte, che danno il senso di una giungla naturale densa di sorprese (…)”, con le sue “ortensie che sembrano di pizzo” e con la sua unica rosa rampicante, la Madame Grègoire Staechlin “che in giugno si ricopre di corolle rosa acceso.” Un contesto paradisiaco nel quale non mancano le piante selvagge che attecchiscono spontaneamente, come le margheritine e le rampicanti. Un giardino che sua figlia Isabelle insieme al marito ha mantenuto nello splendore dei colori e dei profumi. Lotusland (Montecito) in California è nato dalla passione e dall’amore per le piante della bellissima soprano polacca Ganna Walska. “Tibetland diventa Lotusland, dalle vasche rigurgitanti di fiori di loto che iniziano a comparire fra viottoli e sassi”, scrive l’autrice. Si tratta di un giardino eclettico che unisce gusto e raffinatezza all’ironia degli elementi kitsch. Roald Dahl, scrittore per bambini tra i più amati al mondo, possiede il giardino di Gipsy House nel Buckinghamshire. Morto nel 1990, ha iniziato a scrivere il suo diario all’età di otto anni. “Per assicurarmi che le mie sorelle non lo leggessero, lo mettevo in una scatola impermeabile di latta. Poi lo legavo al ramo più alto di un enorme castagno d’India che cresceva in giardino (…)" Quella di Dahl è forse una tra le storie di vita più tristi e dolorose raccontate da Delfina Rattazzi. Durante la seconda guerra mondiale precipita con il suo aereo e sopravvive per miracolo nonostante le fratture e le gravi ustioni, ma vivrà il lutto per la perdita della figlia. Gipsy House è un giardino fantasioso con sentieri a forma di labirinto con frutteti, roseti, e fiori selvatici e Dahl un giardiniere eccentrico che si cimenta nella difficile coltivazione delle orchidee e in quella di cipolle e agli di grandi dimensioni. Appassionato di giardini, William Morris è tra i fondatori delle Arts and Crafts e noto designer di tessuti nell’età vittoriana, si ispira all’hortus conclusus di epoca medievale. Predilige le piante autoctone e non ama la presenza di piante esotiche nei giardini che devono essere ammirate solo negli orti botanici. Lo studio della botanica e delle foglie è per lui fonte di ispirazione per la creazione dei suoi tessuti. Anche il Dalai Lama ha la passione per il giardinaggio. L’armonia è nella varietà di forme e colori e strappare le erbacce è importante affinchè crescano fiori bellissimi. Tanti ancora gli insospettabili giardinieri, personaggi come Karen Blixen, Sting, Charles Darwin, Hermann Hesse, Nelson Mandela e altri le cui storie si svelano al lettore tra le pagine di questo libro dal design essenziale con la sua copertina bianca illustrata da un papavero dai delicati petali rossi. In fondo, scrive Delfina Rattazzi, anche il vento è un giardiniere.

Scritto da Antonella Colaninno

Giornalista e scrittrice, Delfina Rattazzi vive e lavora a Milano dal 1980. E' l'autrice di Say Goodbye. Avere vent'anni a New York negli anni Settanta (Cairo Editore, 2006).

Delfina Rattazzi

Storie di insospettabili giardinieri

Cairo editore 2008

2012-01-16T12:06:00.000-08:00

LE REGINE DEL TERRORE

ANGELA E LUCIANA GIUSSANI: LE RAGAZZE DELLA MILANO BENE CHE INVENTARONO DIABOLIK.

DI DAVIDE BARZI.

“Giornata triste quella di oggi per Diabolik: continuamente braccato com’è dall’ostinato ispettore Ginko , non potrà partecipare ai funerali di sua madre. Una mamma segreta, una dolce mamma milanese che lo ha messo al mondo venticinque anni fa.” (Corriere della Sera 11 febbraio1987).

Una affascinante vicenda umana che si snoda sullo sfondo della storia del costume di una società in cambiamento. Una biografia che assume i toni di un romanzo che intreccia storie personali e vicende professionali tra gli accadimenti di una Milano che si appresta a diventare capitale dell’editoria e del fumetto. Un lavoro di ricerca di tutto rispetto attento non solo alla storia di Angela (10 giugno,1922 - 12 febbraio 1987) e Luciana (19 aprile, 1928 - 31 marzo, 2001) Giussani ma alle implicazioni sociali delle trasformazioni di un’epoca. Le sorelle Giussani e nello specifico Angela, non sono soltanto le creatrici di Diabolik, una scelta editoriale coraggiosa per l’epoca e non priva di difficoltà, vissuta tra vicende giudiziarie e rivalità familiari ma rappresentano il simbolo dell’emancipazione femminile. Una storia che svela risvolti inediti sulla vita di due donne affascinanti quanto riservate che hanno fatto della propria vita un’avventura professionale inconsapevoli di creare un personaggio che sarebbe diventato un cult della cultura italiana. Le Regine del Terrore (edizioni BD) è la storia inedita di Angela e Luciana Giussani scritta da Davide Barzi. Attraverso una narrazione fluida, il lettore scopre il ritratto di due donne determinate dalle idee innovative e anticonformiste. Angela, nata il 10 giugno 1922, ex modella, futura editrice e sceneggiatrice è stata tra le poche donne in Italia ad avere negli anni Quaranta la patente di guida e nei Cinquanta il brevetto di volo. La sua è una famiglia della media borghesia milanese. Suo padre Enrico è titolare della azienda Croce & Giussani che produce tessuti per calzature, elastici e bottoni che conta ben 200 dipendenti tutti di sesso femminile. Luciana, nata il 19 aprile 1928, dopo un impiego presso un’azienda di elettrodomestici, abbandonerà questo lavoro per affiancare sua sorella nell’avventura editoriale. Sono anni particolari in cui Milano vive le sue prime trasformazioni. Viene impiantato il primo semaforo, viene concessa l’elettricità alle linee delle Ferrovie Nord, entrano in funzione i primi autobus ed iniziano i lavori per la Nuova Piazza degli Affari e per il nuovo Palazzo della Borsa. Angela e Luciana trascorrono la propria adolescenza tra Milano e Cervia negli anni in cui la fine del fascismo determina un clima di disordine politico e Milano vive un’intensa attività editoriale, basti pensare alla nascita nel 1947 della casa editrice Fratelli Fabbri e nel1949 della collana BUR della Rizzoli. La narrazione della storia prosegue raccontando l’incontro di Angela con Gino Sansoni, le sue nozze avvenute il 28 giugno 1924, il suo primo lavoro presso la casa editrice Astoria fondata da suo marito fino alla nascita della Astorina. E poi i suoi viaggi, la fine del matrimonio, la nascita di Diabolik, le sue difficoltà iniziali nella vendita e la storia delle sue prime vicende giudiziarie legate al clima di censura che ostacola la naturale diffusione dei fumetti. Le strategie di marketing per diffondere le vendite sono studiate con attenzione dalla Giussani che non trascura la continua ricerca di collaboratori per l’ampliamento dello staff. “Angela intuisce che quello dei pendolari è un target dalle grandi potenzialità. Qualcosa da leggere, il cui tempo di lettura equivalga all’incirca al tempo del viaggio, potrebbe essere un’idea su cui investire denaro ed energie.” Nel novembre 1962 esce il primo numero di Diabolik intitolato Il Re del Terrore al costo di 150 lire. Le vendite interesseranno solo le zone del Nord Italia e la distribuzione sarà diffusa esclusivamente nelle edicole nei pressi delle stazioni ferroviarie. Barzi ricorda che nell’ottobre dello stesso anno la Mondadori pubblica il primo numero di Panorama e nello stesso mese precipita l’aereo su cui viaggia Enrico Mattei mentre la Chiesa è impegnata nel Concilio Vaticano II. Insomma, un romanzo avvincente che tanto ha ancora da svelare ai lettori che non mancheranno di appassionarsi alla storia umana e professionale di due donne straordinarie. Forse non tutti sanno che…Diabolik lo hanno creato loro!

Scritto da Antonella Colaninno

Davide Barzi (1972) vive e lavora a Pavia, è giornalista e sceneggiatore di fumetti, curatore di numerose mostre, e collaboratore delle principali case editrici e riviste del settore.

2012-01-04T08:24:00.000-08:00

WASSILY KANDINSKY

LO SPIRITUALE NELL’ARTE

“Per quanto riguarda l’analisi del colore, l’opera di Kandinsky si innesta invece nel solco di una tradizione teorica che dalla fondamentale Farbenlehre di Goethe (1810) e dalle riflessioni di Schopenhauer giunge, attraverso Turner e Delacroix, alla Legge del contrasto simultaneo dei colori di Chevreul (Parigi, 1838) e infine a Henry, Seurat e Signac. A queste ascendenze se ne possono accostare altre: Mallarmè, ad esempio, aveva studiato le relazione fra colore e suono, Rimbaud aveva stabilito un’equivalenza tra vocali e colori, Skrjabin compila tavole di concordanza tra elementi musicali e pittorici.” Elena Pontiggia

“Lo spirituale nell’arte non è stato il manifesto di una corrente, è stato il manifesto di una generazione.” Queste le parole di Elena Pontiggia nella sua postfazione a “Lo spirituale nell’arte”(Uber das Geistige in der Kunst, Insbesondere in der Malerei) un importante volume del secolo scorso, scritto nel 1910 da Wassily Kandinsky (Mosca 1866, Neuilly-sur-Seine, 1944) e pubblicato nel gennaio del 1912. Respinto più volte dagli editori per la difficoltà di lettura e per il suo stile “pesante e ingombro”, sarà pubblicato dall’editore Reinhard Piper, grazie all’interessamento di Franz Marc amico e collega di Kandinski. Kandinsky è noto per essere il padre dell’astrattismo oltre che il fondatore insieme a August Macke e Franz Marc del movimento avanguardista Der Blaue Reiter, nato a Monaco nel 1911 che perseguiva un percorso spirituale proiettato verso la rappresentazione astratta. Nello Spirituale, Kandinsky sostiene l’inizio di una nuova epoca fondata sulla spiritualità i cui mezzi di ricerca sono le arti, considerate come singole espressioni di un’”arte monumentale.” L’arte è per lui materia dello spirito e allo stesso tempo una “creazione della storia” e non deve restare solo figlia della sua epoca ma essere progressiva e ascendere verso un percorso spirituale in grado di colmare l’oscurità della decadenza in cui viviamo. Un vuoto in cui prendono forma gli spettri delle nostre paure. “L’oscurarsi dell’atmosfera spirituale, la mano che distrugge e guida e provoca una disperata paura, la via smarrita, la mancanza di guida (…)” L’anima dell’artista è coinvolta nella creazione a prescindere dalla forma, così come lo scrittore è un profeta e la parola “il suo suono interiore”, e il musicista un vate che traduce “l’anima del presente.” “La musica di Schonberg ci conduce in una regione nuova, dove le esperienze musicali non sono acustiche, ma puramente psichiche.” “I musicisti più moderni, come Debussy, si affidano spesso a impressioni spirituali dettate dalla natura, trasfigurando le immagini in forma puramente musicale.” “Così Maeterlinck è forse uno dei primi profeti, dei primi scrittori, dei primi visionari di quella decadenza (…).” La forma diventa uno strumento di ricerca che acquista una vita interiore, si anima di una linfa vitale nel naturalismo e nell’astrattismo traducendo le emozioni attraverso il colore. Kandisky recupera la forza cromatica del colore, il suo effetto psichico e la sua energia in grado di raggiungere l’anima secondo il “principio della necessità interiore” in base alla quale l’artista deve esprimere se stesso, la sua epoca e l’arte. Si crea una relazione inscindibile tra forma e colore nella quale i colori possono accrescere o ridurre il proprio potenziale in base alla forma. Egli distingue il colore in caldo o freddo, chiaro o scuro che può declinarsi in caldo chiaro, caldo scuro, freddo chiaro e freddo scuro. Il colore caldo tende verso lo spettatore come il giallo, “colore folle”, mentre quello freddo come il blu, se ne allontana. Dalla fusione di questi colori si ottiene il verde che blocca il dinamismo dei due colori e si esprime in una tinta immobile che Kandinsky traduce nel suono del violino e nell’immobilità della borghesia, mentre associa il giallo al suono della tromba e il blu alle note profonde del violoncello. Il bianco è invece il non colore del silenzio, della pausa, della purezza, della creazione. Il nero si traduce nel colore del lutto e della morte. Dalla loro fusione si ottiene il grigio, colore di immobilità come il verde, ma “senza speranza.” Il rosso è invece, il colore del calore e dell’irrequietezza, del suono della fanfara. Dalla sua unione con il nero nasce il marrone, un colore pacato che al suo interno mantiene le vibrazioni del rosso. Il rosso unito al giallo crea l’arancione, un colore “serio e salutare”. Dal rosso e dal blu nasce il viola, freddo e serio, “spento e triste.” L’arte dunque, è al di sopra della natura e solo in essa l’artista è libero. Egli deve avere cura della sua anima e imparare ad educarla, perché solo così saprà ascoltarla e rispondere “al principio della necessità interiore.” E’ dall’anima che si raggiunge il bello. L’equilibrio tra forma, colore e necessità interiore determina la costruzione di composizioni melodiche come l’opera le Bagnanti (1895-1905) di Paul Cezanne definita da Kandinski una composizione melodica a ritmo aperto. Una lettura questa dello Spirituale, che pone riflessioni su una necessità dell’arte forse non ancora raggiunta e su un’epoca che non ha ancora sviluppato la capacità di cogliere nella realtà tangibile quanto nell’astrazione l’esperienza dello spirito. Un’esperienza che nasce inconsapevolmente e che travolge l’artista oltre qualsiasi meccanismo mentale. Un libro di profezie laiche secondo quanto scrive Elena Pontiggia, “non un trattato di estetica” o “un manuale di tecnica pittorica” ma un libro in cui “misticismo e filosofia dell’arte, meditazioni metafisiche e segreti artigianali si sovrappongono e si confondono (…)” ma forse in fondo solo la certezza di una responsabilità e una speranza ancora a divenire.

Scritto da Antonella Colaninno

Wassily Kandinsky

Lo spirituale nell’arte

A cura di Elena Pontiggia

TESTI E DOCUMENTI

SE srl Milano

2011-12-19T11:24:00.001-08:00

CESARE BRANDI

TEORIA DEL RESTAURO

Quanti di noi ricorderanno le pagine di questo testo imprescindibile nella propria formazione storico artistica e non solo. Il volume raccoglie il lavoro svolto da Cesare Brandi all’Istituto Centrale del Restauro di cui è stato il direttore. Un libro che espone la teoria del restauro sulla base di enunciati e di considerazioni estetico filosofiche basilari per la metodologia di intervento. Il restauro deve mirare al ristabilimento della funzionalità, nonostante questo rappresenti “un lato o secondario o concomitante e mai quello primario e fondamentale che ha riguardo all’opera d’arte in quanto opera d’arte” e cioè, come “…un prodotto della spiritualità umana”. L’opera d’arte non si rappresenta solo sulla base della propria esistenza ma anche perché è parte della vita di ogni individuo, vive nella esperienza estetica individuale di ciascuno. Ed è lì, in quella esperienza estetica individuale che da prodotto umano “si ricrea” come opera d’arte. Prima di questa esperienza, l’opera d’arte lo è solo potenzialmente e solo dopo questo riconoscimento si può pensare all’intervento di restauro. Secondo quanto afferma Cesare Brandi è l’opera d’arte a condizionare il restauro e non il contrario. “Il restauro costituisce il momento metodologico del riconoscimento dell’opera d’arte, nella sua consistenza fisica e nella sua duplice polarità estetica e storica, in vista della sua trasmissione al futuro.” Brandi sostiene che come prodotto umano l’opera d’arte ha una duplice istanza, storica ed estetica. La prima riguarda il suo tempo e il suo luogo, ma anche il tempo e il luogo delle singole esperienze, mentre la seconda riguarda il suo riconoscimento artistico. La “sua consistenza fisica” è la rivelazione nella materia dell’immagine, è la sua epifania che consente il riconoscimento estetico e che rende il restauro indispensabile per la trasmissione della stessa al futuro. Ogni esperienza estetica individuale “appartiene alla coscienza universale.” L’opera d’arte è essa stessa la testimonianza dei tempi storici in divenire che vivono nella universalità del tempo e che rappresentano il suo passato, la sua storia e il momento del riconoscimento come opera d’arte. Di qui, Brandi deduce che 1) “si restaura solo la materia dell’opera d’arte; che 2) “il restauro deve mirare al ristabilimento della unità potenziale dell’opera d’arte, purchè ciò sia possibile senza commettere un falso artistico o un falso storico, e senza cancellare ogni traccia del passaggio dell’opera d’arte nel tempo.” La consistenza fisica cioè, la materia, è costituita da due elementi fondamentali: l’aspetto e la struttura a cui si uniscono altri elementi esterni come “l’atmosfera e la luce” che concorrono alla rivelazione dell’immagine. Brandi parla di “unità potenziale dell’opera d’arte” che ha una valenza qualitativa e che è determinata dal suo intero piuttosto che dal suo totale, perché le singole parti che la compongono, siano essi conci o tessere di un mosaico singolarmente non avrebbero alcun senso e solo l’intero legittima l’immagine. Un’immagine dunque, che parla di per sé per ciò che appare e che non lascia spazio a riferimenti altri come accade invece nella realtà, dove la parte di un tutto rinvia al suo totale. Nell’opera d’arte una parte di un tutto parla solo per sé senza rimandi: un volto sarà solo un volto, così uno sguardo, non vi sono connessioni con la totalità del corpo umano. “Con ciò si documenta che l’unità organico-funzionale della realtà esistenziale risiede nelle funzioni logiche dell’intelletto mentre l’unità figurativa dell’opera d’arte si dà in una con l’intuizione dell’immagine come opera d’arte.” Ne risulta che l’intervento di restauro non dovrà prescindere dall’unità dell’opera né dalla sua istanza storica ed estetica altrimenti si correrebbe il rischio di creare un falso storico e venir meno al suo valore estetico. Nel caso si operasse con una aggiunta postuma necessaria per il ripristino dell’unità, questa dovrà essere sempre in stile e visibile come aggiunta ad uno sguardo ravvicinato e ingannare da lontano mentre, per la lacuna di colore, Brandi suggerisce l’applicazione della differenza di livello sulla base di fondo del dipinto. Dopo essere giunto alla conclusione che ricostituire l’unità potenziale dell’opera d’arte sia “l’imperativo stesso dell’istanza estetica in relazione al restauro”, Brandi affronta il problema del tempo in relazione all’opera d’arte e al restauro che riguarda da vicino l’istanza storica. Il tempo è un aspetto “fenomenologico” che si esplica in tre momenti diversi: come durata relativa alla creazione dell’opera; come tempo intermedio tra la creazione stessa e la conoscenza estetica dell’opera; come “attimo” di questa esperienza estetica. Il restauro dovrà rispettare i segni del tempo e quindi le patine e quelle parti aggiunte nel tempo. La patina ha valore nella istanza storica ed è legittimata anche nell’istanza estetica poiché riguarda la materia che è subordinata all’immagine. Brandi affronta anche il problema del rudere, “il monumento ridotto a un residuo della materia in cui fu composto”, “… ciò che testimonia della storia umana, ma in un aspetto assai diverso e quasi irriconoscibile rispetto a quello precedentemente rivestito”, una testimonianza mutila. Il rudere perde l’istanza estetica perché perde la forma e parte della materia riportando quasi al momento della creazione e il restauro consisterà nell’intervento conservativo a riguardo della sua storicità. Un rudere è “…ogni avanzo di opera d’arte che non possa essere ricondotto all’unità potenziale senza che l’opera divenga una copia o un falso di se medesima.” Per i ruderi annessi dall’origine ad altri complessi, questi costituiscono un unicum paesaggistico con l’ambiente circostante. L’opera d’arte ha un suo tempo ma anche un suo spazio che va tutelato durante il restauro quando questo si inserisce nel nostro spazio fisico anche in operazioni “negative” come lo spostamento e lo smontaggio, o semplicemente nel cambiare la sua collocazione o eliminare il piedistallo ad una statua.

Non mi soffermerò sui sette capitoli relativi all’Appendice essendo più direttamente rivolti a considerazioni specifiche sul restauro ma ve ne consiglio vivamente la lettura, come non mi soffermerò sulla Carta del Restauro 1972. Auguro a tutti una buona lettura…

Scritto da Antonella Colaninno

Cesare Brandi (Siena, 1906 - Vignano (Si), 1988) ha diretto l’Istituto Centrale del Restauro, ha insegnato presso l’Università di Palermo e Storia dell’arte contemporanea presso l’Università di Roma, dal 1967 al 1976. Nel catalogo Einaudi: Budda sorride (1973), Struttura e architettura (1975), Teoria generale della critica (1975), Scritti sull’arte contemporanea, vol.I (1976) e vol. II (1979), Persia mirabile (1978), Disegno della pittura italiana (1980), Diario cinese (1982), Disegno dell’architettura italiana (1985) e Pittura a Siena nel Trecento (1991).

Cesare Brandi

Teoria del restauro (1963)

2006, edito da Piccola Biblioteca Einaudi Arte. Teatro. Cinema. Musica.

2011-12-13T14:18:00.000-08:00

WORLD PRESS PHOTO 11

Quando l’immagine si fa documento. E’ il fotogiornalismo di World Press Photo con le sue storie di vite che attraversano il continente. Un reportage di immagini che diventa memoria collettiva mondiale e fa notizia attraverso la cronaca visiva. “…without our photographs, there is no evidence. Photographs become our world’s collective memory.” David Burnett.

L’arte diviene inchiesta e la cronaca si serve dell’immagine come strumento di indagine e di espressione.

Nata nel 1955, la World Press ogni anno porta i suoi scatti in giro per il mondo informando sulle storie individuali e collettive attraverso una campagna di sensibilizzazione spesso forte e poco confortante accompagnata da un programma di dibattiti e di incontri con i fotografi. La più importante mostra itinerante di fotogiornalismo internazionale giunge per la seconda volta a Napoli al Pan, Palazzo delle Arti dall’8 dicembre 2011 al 4 gennaio 2012. Una iniziativa che ha visto più volte premiato il fotografo statunitense Steve McCurry e che ha decretato la vittoria per il 2010 della fotografa sud americana Jodi Bieber con lo scatto di Bibi Aisha, una donna afgana dal volto sfigurato. La foto, scattata per il Time, è apparsa sulla pagina di copertina della rivista il 9 agosto 2010. Sono tante le foto che sono diventate delle vere e proprie icone di uno status sociale e di un modo di essere. Correva l’anno 1955 quando la foto di un motociclista che cadeva dalla sua due ruote vinceva il primo World Press Photo. Da premio nazionale l’iniziativa ha assunto carattere internazionale e nel 1960, i foto giornalisti olandesi si sono costituiti in una Fondazione.

Scritto da Antonella Colaninno

Mostra visitata il 10 dicembre.

2011-12-13T08:47:00.000-08:00

FILIPPINO LIPPI E SANDRO BOTTICELLI NELLA FIRENZE DEL ‘400

Le Scuderie del Quirinale rinnovano l’appuntamento con l’arte con un altro eccellente evento. La Firenze del ‘400 rivive nelle opere di Sandro Botticelli (Firenze, 1445 – Firenze, 1510) e Filippino Lippi (Prato, 1457 - Firenze, 1504) che si raccontano in un confronto diretto nel quale i due artisti fiorentini scandiscono le tappe di un secolo tra la scommessa dei successi di Filippino e il tramonto artistico del Botticelli. Il raffinato umanesimo del Botticelli autore di opere in cui il senso della rinascita e dell’ottimismo di un’epoca si irradia nella bellezza della Primavera e della Venere che nasce dalle acque del mare, contrasta con la sensibilità malinconica delle raffinate trasparenze di Filippino Lippi. Nato a Prato dalla relazione clandestina di Filippo Lippi con la monaca agostiniana Lucrezia Buti, Filippino fu allievo del Botticelli, ne apprese i segreti elevando il proprio talento artistico ben oltre gli insegnamenti del maestro, affermandosi per uno stile elegante, dolce e malinconico. Autore degli affreschi nella Cappella Strozzi in Santa Maria Novella a Firenze e della Cappella Carafa in Santa Maria sopra Minerva a Roma, commissioni conferitegli da Filippo Strozzi il Vecchio, famoso mercante e banchiere e dal cardinale napoletano Oliviero Carafa, Filippino realizzò tra le altre, l’Adorazione dei Magi di San Donato a Scopeto e la Pala degli Otto in Palazzo Vecchio su commissione di Lorenzo il Magnifico. Importante fu il suo intervento per il completamento degli affreschi della Cappella Brancacci in Santa Maria del Carmine a Firenze a cui avevano già lavorato Masaccio e Masolino. La leggenda racconta che quando Filippo Lippi era a Prato si invaghì di Lucrezia Buti mentre lavorava ad una pala d’altare per le suore di Santa Margherita. La giovane novizia dall'aspetto avvenente posò per lui come modella e fu ritratta nel profilo della Madonna adorante il Bambino (1478) a cui è stato storicamente attribuito Filippino infante. Il dipinto è oggi conservato alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Il percorso espositivo offre “la prima monografica di un artista fantasioso e di cultura vastissima” a cui si uniscono le opere di Sandro Botticelli, di Filippo Lippi, di Raffaellino del Garbo con il suo Ritratto di giovane, di Piero di Cosimo e la sua Liberazione di Andromeda, di Andrea di Cosimo Feltrinib ed altri ancora, oltre a documenti dell’epoca relativi alle vicende artistiche e personali di Filippino Lippi.

La mostra, a cura di Alessandro Cecchi, direttore della Galleria Palatina, degli Appartamenti Reali di Palazzo Pitti e del Giardino di Boboli in Firenze, sarà visitabile al pubblico sino al 15 gennaio 2012 presso le Scuderie del Quirinale.

Scritto da Antonella Colaninno

2011-11-28T16:41:00.000-08:00

PIET MONDRIAN

LA REALTA’ DELL’ASTRAZIONE

ROMA, COMPLESSO DEL VITTORIANO

La semplicità del mezzo plastico bilancia il ritmo con l’immutabile. Le note del Jazz suonano sui colori delle rette che si segmentano tra le tonalità delle linee, dando ritmo alle dissonanze delle sue melodie. “L’arte è necessità”, non rappresenta l’apparenza della realtà ma è l’espressione della vera vita, quella che corre sulla tensione, sull’armonia e sugli equilibri immutabili. E’ il Neoplasticismo di Piet Mondrian (Amersfoort, Olanda 1872 – New York, 1944) che annulla le forme ed esprime il movimento sui piani che si incrociano tra le linee rette. Un percorso incentrato sulla spiritualità che passa attraverso la rappresentazione figurativa della realtà e la visione simbolica delle cose di cui gli alberi sono il limite di questa ricerca che si concluderà con il passaggio dal visibile all’immutabile, dal plasticismo all’astrazione. I suoi esordi artistici lo videro vicino alla tradizione della scuola dell’Aia con la sua pittura realistica dai toni tenui e dalle pennellate morbide, a cui Mondrian aggiunse uno sguardo più profondo che scrutava ben oltre i limiti del visibile, verso una interpretazione simbolica della realtà, a cui contribuì l’incontro con il pittore Jan Toorop. Importante fu il suo trasferimento dai Paesi Bassi a Parigi a seguito della visione ad Amsterdam delle opere cubiste di Picasso e Braque. A Parigi la sua pittura si tradusse in un linguaggio cubista a cui seguì la svolta definitiva verso l’astrazione. Dopo un ritorno nei Paesi Bassi durante la prima guerra mondiale, Mondrian ritornò a Parigi dove maturò la sua ricerca astratta nelle composizioni di linee rette e di superfici in rosso, giallo e blu (colori primari) e in spazi di non colore ( bianchi, neri e grigi). Queste composizioni segneranno il suo stile inconfondibile e traduranno nel segno il ritmo della musica Jazz, espressione profonda dei cambiamenti di un’epoca ormai proiettata nel dinamismo e nella vertigine della contemporaneità.

Scritto da Antonella Colaninno

Mondrian

L’ARMONIA PERFETTA

8 ottobre 2011 19 gennaio 2012

Complesso del Vittoriano, Roma

2011-11-27T13:47:00.000-08:00

GEORGIA O’KEEFFE

Georgia O’ Keeffe (Sun Prairie, 1887-Santa Fè, 1986) è una voce originale nell’America del grande cambiamento tra modernismo e aspirazione romantica. Il senso della natura si esprime nella femminilità di una forma macroscopica piena e sinuosa che ricorda la sessualità femminile. Le originali composizioni floreali a tutto campo trasformano il linguaggio tradizionale che si rinnova nella forma e nella composizione. Architetture metafisiche giganteggiano in città surreali e romanticamente retrò come in “New York Street with Moon” (1925) il cui taglio compositivo si distingue per armonia e inquadratura fotografica. L’imponenza dell’architettura prevale sul campo visivo anche nell’opera “In the Patio 1” del 1946, nella sensualità di un tenue color cipria che invade gli spazi accarezzandone le superfici. La O’ Keeffe percorre i sentieri di un viaggio dell’inconscio alla ricerca di una dimensione che rivendichi le ragioni umane di una società in trasformazione. I colori esotici e la dimensione delle forme evocano l’effimero e l’instabilità di uno spazio surreale. La sua pittura trasmette sensazioni nella luminosità del colore e nel rapporto delle sue sfumature con le forme e lo spazio. Presso le sale del Museo Fondazione Roma in Palazzo Cipolla, 60 opere provenienti dal Georgia O’Keffee Museum di Santa Fe in Nuovo Messico presentano la prima retrospettiva storica in Italia dell’artista americana Georgia O’Keeffe, a cura di Barbara Buhler Lynes. La O’Keeffe, nata nel Wisconsin, si trasferisce a New York dove conosce il celebre fotografo e gallerista Alfred Stieglitz autore di alcuni suoi ritratti fotografici che sposerà nel 1924. La mostra comprende anche alcune opere provenienti dal Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, dalla National Gallery of Art di Washington, dal Whitney Museum of American Art di New York, dal Philadelphia Museum of Art e da importanti collezioni private.

Scritto da Antonella Colaninno

Georgia O’Keeffe

dal 4 ottobre 2011 al 22 gennaio 2012

Fondazione Roma Museo, Palazzo Cipolla

Via del Corso, 320

Roma

2011-11-27T02:32:00.000-08:00

AUDREY A ROMA

Audrey Hepburn (Bruxelles, 4 maggio 1929-Tolochenaz, 20 gennaio 1993) ovvero il fascino e l’eleganza di una donna senza tempo, una diva dalla profonda umanità che con grande sensibilità ha dedicato l’ultima parte della sua vita alla causa dei bambini africani diventando Ambasciatrice di buona volontà per l’UNICEF. A lei il Museo dell’Ara Pacis di Roma dedica una retrospettiva fotografica con una serie di scatti del suo periodo romano provenienti dagli archivi di Reporters Associati, Photomasi, Istituto Luce e Kobal Collection. Venticinque anni trascorsi a Roma tra maternità, cinema e moda illustrano la vita di una donna e di una attrice tra momenti di vita privata e riprese sul set. Immagini corredate da ricche didascalie si arricchiscono di un video e di teche espositive con gli abiti da lei indossati firmati dalle più prestigiose griffes internazionali. Fotografie che raccontano la vita intensa sempre vissuta con elegante semplicità di una donna che ha portato il suo stile e la sua grazia nel mondo.

La mostra si propone di raccogliere fondi da devolvere in beneficenza all’UNICEF per combattere la mortalità infantile secondo quanto espresso dalla Audrey Hepburn Children’s Fund e dal Club degli Amici di Audrey a cui si associa la sensibilità della città di Roma. Una mostra che fa riflettere sul senso della vita e della bellezza. A quanti sanno apprezzare e donare i propri successi ponendosi al servizio di coloro che pur meno fortunati sanno dare con un sorriso più di quanto siano stati in grado di ricevere.

Scritto da Antonella Colaninno

Audrey a Roma

26 ottobre 4 dicembre 2011

Museo dell’Ara Pacis

Lungotevere in Augusta

Roma